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Música

DIEZ DIRECTORES CON UN BUEN GUSTO MUSICAL

 

La música siempre ha sido una parte importante de cualquier película, y hay muchas que hacen un gran uso de las partituras musicales o de cierta selección de canciones para las escenas clave. Sin embargo, algunos directores logran aunar de tal manera la música a sus cintas que son ampliamente reconocidos a causa de ello.

Ahora bien, pese a que hay varios directores que han insertado bandas sonoras muy buenas para sus películas (Sofia Coppola en “Lost in Translation”, Nicolas Winding Refn en “Drive”, Behn Zeitlin en “Bestias del sur salvaje”, Paul Thomas Anderson en “Phantom Thread”, etc.), esta lista echa una mirada a algunos de los directores que han demostrado repetidamente un gusto impecable en la música a lo largo de sus carreras cinematográficas.

Se trata de directores que han estudiado formas de integrar la música dentro de sus películas como un personaje más o como un medio narrativo y no sólo como una herramienta de fondo.

10. Lars von Trier.

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El trabajo de Lars von Trier siempre ha sido bastante polarizador, atrayendo una recepción mixta de críticos y fanáticos por igual, en especial por los temas que aborda. Pero el director danés debe destacarse por su uso creativo de la música en algunas de sus obras más conocidas.

“Dancer in the Dark” es un ejemplo de ello, cinta de la que todavía se habla hoy, aunque más debido a la colaboración tumultuosa entre von Trier y Björk, quien protagonizó la película y se comprometió a no volver a actuar después de esa experiencia.

Sin embargo, su colaboración no solo produjo una película poderosa, sino también una banda sonora ingeniosa. “Selmasongs”, el álbum de la banda sonora de Björk, von Trier, Mark Bell y Sjón, fue alabado por lo bien que combinó la visión única de Björk con el sufrimiento de su personaje, y finalmente llevó a una nominación al Oscar por la canción “He Visto todo”.

El momento musical más aclamado de von Trier llegó cuando decidió usar el preludio de Richard Wagner para “Tristan und Isolde” en “Melancholia”. El preludio se utiliza en casi toda la película, además de que von Trier decidió usar la música de Wagner después de encontrar un fragmento de “En busca del tiempo perdido”, donde Marcel Proust argumenta que el preludio de Wagner es el mejor trabajo musical de todos los tiempos.}

9. Wes Anderson.

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Wes Anderson es conocido por tener un estilo distinto. Y si bien su estilo visual podría ser su principal marca, también es conocido por sus inspiradas selecciones musicales. Haciendo uso de la música pop de los años 60 y 70 suele despertar un interés renovado en las canciones que presenta.

En “The Life Aquatic with Steve Zissou”, David Bowie sirve como el principal punto de inspiración para la banda sonora, presentando algunos de sus éxitos originales (como “Life on Mars” y “Queen Bitch”), pero también “covers” cantados en portugués por Seu Jorge. Algunas de estos muestran el buen uso de Anderson de una banda sonora diegética.

El amor de Anderson por la música rock clásica se pone de manifiesto a través de la abundancia de canciones icónicas de rock clásico que disemina a lo largo de sus películas. Por ejemplo, como gran fanático de los Rolling Stones, ha presentado sus canciones muchas veces.

En su película debut “Bottle Rocket”, Anderson utiliza “2000 Man” de los Rolling Stones durante el clímax de la película, mientras que en “The Royal Tenenbaums” utiliza una versión instrumental de “Hey Jude” interpretada por la Orquesta Mutato Muzika ( un apodo utilizado por Mark Mothersbaugh, el cantante principal de Devo y frecuente colaborador de Anderson) para pintar un retrato de la familia Tenenbaum.

8. Wong Kar-wai

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Wong Kar-wai, un cineasta muy estilístico, dirige sin usar guion y se basa en el estado de ánimo y la improvisación. Sus películas incluso han sido comparadas con videos musicales debido a la naturaleza en que se usa la música como la esencia de sus obras, y la forma en que dicta el ritmo de su obra.

Un ejemplo perfecto del papel que la música tiene en las películas de Wong es en su película romántica de 2000 “In the Mood For Love”. La película sigue a un hombre y una mujer que forman un vínculo cuando sospechan que sus esposos están teniendo una aventura juntos.

“Tema de Yumeji” de Shigeru Umebayashi tiene su aparición a lo largo de la película varias veces, siguiendo a la pareja cada vez que se encuentran. La pieza se desvanece rutinariamente antes de que tenga la oportunidad de unirse por completo, pero cada vez que se encuentran y la pieza comienza de nuevo, dura un poco más. Una vez que se usa en su totalidad, su triste sonido refleja el destino inminente de la pareja.

En “Chungking Express”, Wong usa “California Dreamin” por parte de Mamas and the Papas repetidamente durante la segunda parte de la película. Como una de las canciones favoritas del personaje y como un recipiente para su obsesión con California, la canción se usa para establecer el personaje y sus motivaciones. Wong pinta una escena conmovedora cuando el personaje se reúne con su amante después de salir de California, y toda la escena se amplifica con la reproducción constante de la canción en las escenas anteriores.

7. Andrei Tarkovsky.

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Andrei Tarkovsky es anunciado como uno de los mejores directores de todos los tiempos. Su cinematografía, estructura poco convencional y temas han creado un nuevo lenguaje en el arte del cine. Mientras que algunos directores usan la música como pieza central en sus películas, algunos autores han empleado con éxito un enfoque minimalista, opuesto al uso excesivo de la música que se encuentra en otras películas.

Esto también es cierto con Tarkovsky. Él creía que en una película, debería haber un uso natural del sonido y la música, reflejando la realidad lo más cerca posible. Utilizó la música para expresar metáforas y enriquecer la conexión entre la película y el público.

Para la banda sonora de sus películas “Solaris”, “The Mirror” y “Stalker”, colaboró con el compositor Eduard Artemyev y creó un sonido distintivo que, junto con las imágenes de Tarkovsky, evocaría el mundo interior de una persona, como se imagina dentro de la película. En “The Mirror”, que carece de una narrativa obvia, la banda sonora de Artemyev lleva y centra toda la película.

6. Jim Jarmusch.

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Como músico, no sorprende que Jim Jarmusch esté muy atento a la música que usa en sus películas. Se sabe que solo trabaja en producciones que puedan garantizarle el corte final, y está en contra de que sus películas sean dobladas para audiencias extranjeras.

Una de las razones por las que hace esto es para asegurarse de que alguien más no pueda dictar qué canciones aparecen en sus películas, evocando las películas comerciales del pasado en las que se utilizó la música para vender la banda sonora, sin avanzar en la historia o dar profundidad a los caracteres.

En un ejemplo de la música siendo un personaje secundario en las obras de Jarmusch, su película de 1984 “Stranger Than Paradise” presentó una banda sonora escrita por John Lurie, quien también protagonizó la película.

Después de que se le permitiera usar la canción, Jarmusch mostró su gratitud al elegir al propio Hawkins como el empleado de la noche en el “Mystery Train” de 1989. La principal fuente de influencia musical de la película es indudablemente Elvis Presley. La pista que también le da título a la película se reproduce varias veces durante la película, incluidos los créditos iniciales y finales.

Una de las tres historias presentadas en la película muestra a un personaje que está obsesionado con Elvis y llega al Arcade Hotel, dejando un retrato del artista en cada habitación. El Rey del Rock and Roll resulta omnipresente en la película ya que Jarmusch también usa la “Luna Azul” del cantante en tres momentos diferentes a lo largo de la cinta. Aunque en teoría esto podría parecer excesivo, Jarmusch combina tan bien la canción y las escenas que no puedes evitar apreciar la repetición.

5. Edgar Wright.

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Las influencias musicales de Edgar Wright siempre han dado paso a su característico estilo, con grandes momentos musicales como los que se ven en las tres películas que componen la Trilogía Cornetto: el uso del “Do not Stop Me Now” de Queen en “Shaun of the Dead” todavía se siente fresco.

En "Scott Pilgrim vs. the World", la música juega un papel central en la película. Con el personaje principal siendo parte de la banda ficticia Sex Bob-Omb, hay muchos momentos musicales para elegir, pero uno de los aspectos más destacados de la película es una escena en la que el personaje de Brie Larson interpreta la canción métrica "Black Sheep", pues la experiencia de Wright dirigiendo videos musicales es evidente a lo largo de la película. Los elementos visuales están en perfecta armonía con la música y en ningún momento siente que la música simplemente sea una bofeteada sobre las escenas.

Su mayor muestra de influencias musicales llegó con “Baby Driver” del 2017, una película en la que la música actúa como un personaje en sí mismo. En “Baby Driver” la música siempre está sucediendo dentro de la escena, es decir, que un personaje realmente la escucha, dando paso a una banda sonora diegética.

El personaje principal de Ansel Elgort no puede realizar una huida adecuada sin antes elegir la canción perfecta y sincronizarla con lo que sucede a su alrededor. Acción que puede verse como una meta-referencia al acto de hacer cine.

La película comienza con Baby seleccionando “Bellbottoms” interpretada por Jon Spencer Blues Explosion para tocar mientras maneja el auto luego de un robo a un banco. Otros aspectos destacados de la película incluyen “BABY” de Carla Thomas y “Harlem Shuffle” de Bob y Earl, así como las dos canciones elegidas para el personaje de Lily James, “Deborah” de T. Rex y “Debra” de Beck, que anteriormente contribuyó canciones a la banda sonora de “Scott Pilgrim vs. the World”.

4. Quentin Tarantino.

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El hecho de que Quentin Tarantino sea un gran admirador de la música no es ningún secreto. Creando algunos de los momentos más memorables en sus películas mostrando su gusto en música a lo largo de su filmografía.

Dado el impacto de la selección de las canciones y su método para elegirlas, puede incluso parecer demasiado simple: afirma que cada vez que está en el proceso de escritura, o simplemente tiene la idea de una película en su mente, comienza a tocar cosas de su enorme colección de discos y eventualmente algo hará clic.

Una de las cosas en las que pone mucho énfasis es en la canción de los créditos de apertura como una forma de encontrar la personalidad de toda la película. No es de extrañar entonces que la mayoría de sus secuencias de apertura sean hoy en día icónicas.

En “Jackie Brown”, Tarantino estableció los créditos iniciales en "Across 110th Street" de Bobby Womack. La canción establece el tono para el resto de la película y las diversas selecciones de soul y funk inspiradas en los 70 que siguen. “Pulp FIction” salta desde la puerta con la versión estadounidense de surf rock de Dick Dale de “Misirlou”, una introducción contundente que nos dice todo lo que necesitamos saber sobre la película en aproximadamente un minuto.

Para “Kill Bill”, Tarantino empleó al miembro del clan Wu-Tang RZA para producir la banda sonora, y la primera película se destaca por su uso perfecto del clásico de Nancy Sinatra “Bang Bang (My Baby Shot Me Down)”, encajando tan bien en la película que ahora es difícil escuchar la canción sin pensar en la venganza épica de dos partes.

Un gran admirador de Ennio Morricone, Tarantino intentó varias veces trabajar con el legendario compositor (Morricone se negó a colaborar en “Inglourious Basterds” debido a la producción acelerada) y ha utilizado su música varias veces antes de finalmente lograr que se componga la partitura. Cuando por fin lo logró, en “The Hateful Eight”, esto le valió a Morricone un Oscar.

3. Hermanos Coen.

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Ethan y Joel Coen han dirigido bastantes películas que ahora se consideran clásicas, además del tremendo regalo de crear escenas de pareja con las canciones perfectas son un testimonio de su talento. Sus influencias increíblemente variadas informan sus selecciones musicales y dan uso a algunas secuencias verdaderamente memorables.

No hay que buscar más: en “The Big Lebowski”, probablemente una de las películas de culto más grandes de la historia, los hermanos Coen crean una elaborada secuencia que representa la fantasía inducida por las drogas de Dude en la que sueña con Gutterballs, una película para adultos protagonizada por él y su interés amoroso, Maude, complementada con una aparición de Saddam Hussein, todo con Kenny Rogers y la versión de la primera edición de "Just Dropped In”.

La banda sonora de “O Brother, Where Art Thou?”, producida por T-Bone Burnett, y que trabajó estrechamente con los escritores/directores ya que todavía estaban trabajando en el guion, para asegurarse de que la banda sonora fuera una parte integral de la película en lugar de una pieza de apoyo. La música utilizada en la película es principalmente música folclórica específica para ese período de tiempo.

La canción “I am a Man of Constant Sorrow” se usa en distintas variaciones dentro de la película. Es la pieza central tanto de la película como de la banda sonora en sí, ya que transporta al trío a través de su viaje. La banda sonora se convirtió en un éxito de ventas e incluso se le otorgó el Grammy por Álbum del Año, estableciendo con fuerza su legado.

2. Stanley Kubrick.

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Stanley Kubrick es conocido a causa de su perfeccionismo. Su estilo de dirección ha traído cierta controversia debido al supuesto estrés que ejercía sobre sus actores para asegurarse de obtener la toma perfecta. Más aún, solía pasar una cantidad inusualmente larga de tiempo en la sala de edición, asegurándose de que cada escena fuera perfecta. Su adicción a la música jugó un papel importante en esto también. En su búsqueda de la pieza de música idónea para sus escenas, a veces pasaba semanas antes de encontrarla.

Resaltar un momento particular en la filmografía de Kubrick para mostrar su uso revolucionario de la música es una tarea casi imposible, pero uno podría conformarse con “2001: Una odisea del espacio” como un ejemplo de cómo él transformó la manera en que se usaba la música en la película.

Para esta película clásica, Kubrick inicialmente encargó el score de la película a Alex North, que decidió no utilizar durante la post-producción. En su lugar, eligió piezas como “Thus Spoke Zarathustra” de Richard Strauss y “Lux Aeterna” de György Ligeti para dar vida a su obra maestra de ciencia ficción.

Al decidir no encargar la composición de la música original y, en su lugar, optar por utilizar pistas pregrabadas de música clásica, Kubrick trató a la música como un actor en sí mismo. La música ya no era solo un complemento de una escena, una característica decorativa adicional. En cambio, la música clásica que tan cuidadosamente escogió estuvo allí para realzar cada escena y agregarla a la trama general, al igual que un personaje real.

1. Martin Scorsese.

martin scorsese

Martin Scorsese ha tenido una gran influencia en la mayoría de los cineastas de esta lista, especialmente en lo que respecta al uso de la música en el cine. Sus opciones hacen mucho más que simplemente establecer el ambiente de la escena o de toda la película ya que influyen activamente en la acción de la película, puesto que Scorsese diseña las escenas en torno a la música, y no al revés.

Varios de sus colaboradores hablaron con admiración de la pasión de Scorsese por la música y la forma en que se entrelaza con la idea de la película en su cabeza. Incluso años antes de grabar una escena, cuando apenas es una idea, Scorsese sabrá exactamente qué canción usar.

“Mean Streets” fue la película revelación para Scorsese, Robert De Niro, Harvey Keitel y la escena en la que Keitel observa mientras De Niro entra al bar con dos chicas a su lado con la melodía de “Jumping Jack Flash” de los Rolling Stones puede verse como el verdadero punto de partida de una asociación cinematográfica que continuaría produciendo momentos icónicos a lo largo de los años.

Los Rolling Stones están en el centro de algunas otras escenas de Scorsese con “Gimme Shelter”. La canción hace apariciones en “Goodfellas”, “Casino” y, más notablemente, “The Departed”.
Emparejar una de las tomas más largas en la historia del cine con “And Then me Kissed Me” de The Crystals en “Goodfellas” es otro ejemplo de cuán bien Scorsese entiende y ejecuta su visión.

Uno pensaría que una canción pop como “Be My Baby” de The Ronettes no funcionaría con la secuencia inicial de “Mean Streets”, pero Scorsese encontró la forma de combinar música y elementos visuales de una manera con la que logró subvertir las expectativas y cambiar la forma en que la gente piensa sobre la música en el cine, allanando el camino para que muchos otros directores intentaran seguir sus pasos.

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